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From Paris, an Interview with electro pop artist Bliss My Heart

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(All photos by: Dawn Barucq)

Bliss My Heart is a new electro pop project from Paris. Led by singer/songwriter Jenna, its first three-song EP is entitled “Morningstar”. It takes on her love of the music of Bauhaus, Depeche Mode and Lana del Rey, the three artists she relates to the most. I had the chance to interview Jenna via e-mail, and below you will find the very interesting answers she provided regarding how she connects with the world and conveys her very emotion through music, as well as some insight on her upcoming releases and activities.

What is the first musical memory you have?

When I was 7 years old, my father worked as Moon Martin’s manager. One day, Moon was at home to record an álbum, and there were many guitars at home. I also remember my father bringing me to a music festival. It was very cool!

And when did you first arrive at the resolution of pursuing a career in the music industry?

I wrote my first song when I was 13. I understood from a very young age that music would be very important in my life. I have always written music and lyrics, sung, played guitar, piano… And I have always wanted to be in a serious musical project. When I met Damien Badey & Eddy Rateni last year, I knew it was the right moment to do it!

What was the inspiration for your first EP, “Morningstar”? When did you write these three songs? What was the reason or concept in choosing these three over any others you may have stocked already?

The inspiration for “Morningstar“ came from a journey I undertook. I visited places like California, Nevada, Monaco and London. And each and every time, I needed to set down my feelings in music. Cities like LA, Indian Wells or Goodsprings (in Nevada) gave me a lot of energy to compose music.

I wrote many songs, but we decided on those 3 to start the project, and record an EP. We’re working on new tracks right now.

In general, how do you write music? What is the process you usually follow?

I need to be alone to write music and lyrics. I do this job at home with my piano, my guitar and my computer. Then, as the demo is ready, I send it to Damien and Eddy. They work on the arrangements and the mix. We record vocals at Damien’s studio in Paris, and then Pete Maher masters the songs.

On the press release for “Morningstar” you mention three artists that are very strong points of reference: Bauhaus, Depeche Mode and Lana del Rey. Can you point out something you value in each one of them as artists, and that you have made a conscious effort to integrate or replicate in your own music?

I think Bauhaus is the first band that ever gave me the feeling (and also the need) to create music in a serious, committed way. The voice of Peter Murphy is awesome. I’m in love with Lana Del Rey’s universe, her wordplay is amazing I love her references, and her Californian side as well. I like what she says. Depeche Mode is the best band I’ve ever seen in concert in my life. I love how they process their music. The song “Going Backward“ is one of their best songs.

These 3 bands all have a different energy, and a different way to introduce their emotions. And I relate to that.

What is your understanding of South American music? Specifically, which artists from the RIver Plate región (IE Uruguay and Argentina) are known in your country, independently of the musical genres they ess

I know Elli Medeiros, as she is famous is France. And I also know and like Andrés Calamaro, and his band “Los Abuelos de la Nada”. You have amazing music. Very intense and very interesting. A french singer “Benjamin Biolay” released a record which is called “Palermo Hollywood” he recorded it in Buenos Aires, and it’s a favorite of mine!

What are your plans for the foreseeable future? Do you have more releases already scheduled? And when the time to play live and tour comes again, what would be your preferred context and setting for sharing your songs?

Because of the actual situation, it’s very hard to project anything regarding live music. We are working on a new track with my team, and right now I am focused on promoting my EP. And I also released a new video clip last week, “A Rose Diary“. The clip was shot in Les Alpes French Mountains, and it stars an adorable Huskie!

And given the opportunity to record or tour with any artist in the world, who would it be, and why? 

I would be very happy to record with Dave Gahan and Axl Rose. I love their universes, and the way they play and compose music. “Estranged“ from Guns N’Roses is one of the best song in the world.

 

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“¡Rock the Folk!” – Entrevista a la Artista Argentina Mavi Díaz

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Fundadora de la legendaria banda de pop Viuda e Hijas de Roque Enroll, Mavi Díaz ha compartido el estudio y el escenario con artistas como Charly García, Gustavo Cerati, Fito Paez, Andrés Calamaro, Los Twist, Man Ray, Patricia Sosa y Daniela Herrero, en una carrera que ya alcanza cuatro décadas de trayectoria ininterrumpida, y múltiples reconocimientos (incluyendo tres Premios Gardel). Su proyecto actual es “Mavi Díaz Y Las Folkies”, banda con la que cual ha girado por Europa y Asia, y cuyo tercer disco de estudio (“Gaucha”) fue publicado a inicios de este mes.

Tuve el agrado de conversar con Mavi sobre la presentación de este nuevo álbum (a realizarse el próximo 10 de mayo en la Sala Siranush), y repasar el camino que la condujo a esta instancia especialmente prolífica de su carrera, la cual realza el valor del talento femenino dentro del folkore de raíz.

Tu carrera abarca etapas muy distintas, y recala en algunos de los nombres más significativos de la historia de la música argentina contemporánea como ser Charly García, Andrés Calamaro, Fito Paez y Gustavo Cerati. ¿De qué modos dirías que el contacto con esas personas nutrió tu evolución artística?

Las colaboraciones con músicos a los que una admira siempre son enriquecedoras, y cada una de ellas deja huella. Realmente me siento afortunada por haber tenido la suerte de poder participar en shows, discos, o compartir proyectos con semejantes artistas.

Concretamente, ¿te animarías a destacar o señalar algo que atesores de cada una de estas cuatro personas que acabo de mencionar?

Charly fue y es mi ídolo de toda la vida. Participé en la grabación de “Say No More” en Madrid y fue muy amoroso conmigo, como estábamos solos esos días compartimos mucho tiempo, y fue un aprendizaje bestial para mí. Con Fito grabamos el concierto “No Sé Si Es Baires o Madrid” pero ya habíamos colaborado con Viudas en sus primeros discos y siempre es un placer trabajar con él. Con Andrés grabé en su disco “Por Mirarte” hace mucho tiempo y también tocamos en vivo. Y qué decir de Gustavo… un capo como pocos. Grabé y trabajé con él muchas veces, incluso él produjo el germen de lo que fue mi primer disco solista. Nos unía una hermosa amistad. Ya ahora trabajo con su hijo Benito, junto a Tweety González produjimos sus dos primeros discos.

Y en lo que respecta a tu proyecto más emblemático (Viuda e Hijas de Roque Enroll), ¿cómo se amolda (o dialoga) con lo que son Las Folkies? ¿En qué aspectos sentís que su espíritu está latente en tu proyecto actual? Al respecto, me resulta muy simpático un hashtag que solés emplear: #rockthefolk.

Viudas y Folkies son sin duda los proyectos más importantes de mi vida. Es bastante obvio pero lo que tienen en común soy yo y mi forma de abordar la música y la lírica. Yo siento que Las Folkies, si bien hacemos folklore tradicional en su estructura y en su instrumentación, la rockeamos muchísimo. Nuestra actitud es rockera, nuestra estética y nuestra forma, pero como digo, siempre muy respetuosas de las raíces y de lo tradicional. Siempre decimos que nos gusta lo moderno de antes y eso mismo nos pasaba con las Viudas.

¿Qué motivó la fundación de las Folkies? ¿Cómo se establecieron los vínculos entre ustedes?

La idea de armar Folkies fue de mi manager de entonces, Maya Vázquez. Yo venía tocando con unos capos tremendos como Gaby Luna, Franco Luciani, Daniel Patanchón, pero cada uno de ellos ya tenía proyectos propios que les demandaban dedicación y empezaban a complicarse las agendas. Entonces a Maya se le ocurrió convocar a las chicas y fue la mejor idea que alguien pudo tener jamás. Pusimos una fecha como para ver si había química entre nosotras y si nos sentíamos a gusto tocando juntas y fue amor a primera vista, un romance que afortunadamente se nutre y se renueva cada día de estos 9 años que ya llevamos juntas.

¿En qué se diferencia el nuevo álbum de los dos anteriores, “Todo Sí!” y “Sonqoy”? Te he escuchado decir que es tu disco más personal pero a su vez más colectivo. ¿Cómo se traduce eso en el plano musical?

“Sonqoy” fue nuestro disco bautismal, nuestra primera experiencia juntas en estudio y contiene canciones que yo venía componiendo de antes de conocer a las chicas. “Todo Sí!” ya muestra a unas Folkies más “rodadas” con muchos shows y viajes encima. Ahora, en este disco comienza la composición en conjunto.  A diferencia de “Todo Sí!” que fue grabado a lo largo de todo un año, entre giras y viajes en los cuales tocábamos los temas, “Gaucha” tomó forma en 10 días de estudio. Muchas de las canciones ven la luz por primera vez en el estudio, muchos arreglos son creados en el momento de grabar. Me gusta una definición que hizo el periodista Gerardo Rozin: “Gaucha” es un disco “urgente”, necesario.

¿Ha incidido en esto el reconocimiento que han recibido en materia de galardones, incluyendo los Premios Gardel?

Los premios y los reconocimientos son siempre gratos porque de alguna manera reafirman que una está en el camino correcto. “Todo Sí!” nos dio muchas alegrías, entre ellas dos nominaciones y un Gardel, lo cual nos llena de orgullo. Pero una no piensa en eso cuando gesta un disco, especialmente “Gaucha”, como digo, nace de una necesidad de poner en palabras y en música los sentimientos que nos atraviesan como músicas, como mujeres, en lo personal y en lo colectivo. Por supuesto sin perder la alegría y nuestra pasión por la danza nativa que es también un motor muy fuerte del disco.

El viernes 10 de mayo presentan oficialmente este nuevo disco en sociedad, ¿qué podrías adelantarnos de este evento en la Sala Siranush de Palermo?

Estamos preparando un show hermoso con una puesta preciosa a cargo de Diego Wulff y Sofía Gabrieludis, vamos a tocar primero el disco nuevo en el orden, como hicimos con “Todo Sí!” porque queremos que la gente viaje disco adentro y se meta en el universo que proponen las canciones y después por supuesto tocaremos todos los “hits” y haremos una Folkie peña a nuestro estilo.

¿Y cómo sigue su agenda de presentaciones luego?

Después del concierto Martina parte a Europa en gira con Peteco, yo viajo también a Europa a cerrar una gira que haremos en Octubre y durante julio y agosto gira nacional por Argentina

¿Cómo ves la escena musical en Argentina, y en la región? Y dado que con las Folkies han llegado a presentarse no solo en Europa sino también en Asia, ¿qué paralelismos podrías trazar? ¿Qué podríamos incorporar del esquema que existe en esos países a los nuestros? Y a su vez, ¿en qué sentidos ellos pueden tomarnos como referentes?

Argentina tiene una riqueza musical enorme en todos sus géneros y en todas sus regiones, pero a diferencia de otros países donde hemos estado y tocado, aquí cuesta mucho lo nuevo. La gente generalmente no sale a buscar propuestas nuevas,  va más bien a lo que conoce o a lo que escucha mil veces en los medios. Nosotras hemos llegado por ejemplo a salas enormes en USA preguntándonos preocupadas quién iría a vernos y sorprendernos con una sala llena de gente que va a descubrir música que no conoce para nada. Otra buena costumbre que tienen afuera es que están acostumbrados a comprar música, compran discos físicos y en las tiendas digitales. Independientemente de la crisis argentina, nosotros somos más de querer todo gratis. Pero sí que somos muy respetados en el mundo por nuestra creatividad.

En lo estrictamente personal, ¿tenés alguna otra actividad programada, como ser colaboraciones con otros artistas? ¿Hay algún artista nuevo con el que quisieras trabajar?

En “Gaucha” tuvimos el honor de tener dos invitados de lujo: Marcela Morelo y Franco Luciani. En el mes de Julio vamos a hacer un espectáculo junto a Teresa Parodi y Marian Farías Gómez, dos de mis artistas referentes a quienes admiro y adoro. Voy a participar también en un disco de Ska Beat City que van a versionar un tema mío de Viudas. También acabo de rodar mi participación en un documental para Netflix sobre el rock en Latinoamérica. Como productora no dejo de sorprenderme de la nueva camada de músicas talentosísimas que hay, y sí, me gustaría producir a muchas de ellas.

Te agradezco enormemente por tu tiempo, y les deseo todos los éxitos con el nuevo disco. ¡Esperamos verlas en Uruguay en algún momento!

¡Ojalá así sea!

(Fotografía de Mavi Díaz & Las Folkies: Pablo Scavino)

Entrevista al Músico Argentino Manu Hattom

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Manu Hattom es un músico argentino que se presenta por primera vez en Uruguay esta semana, abriendo todos los conciertos de Ainda Dúo en nuestro país. Oriundo del Gran Buenos Aires, Manu lidera La Joven Pandilla Del Oeste, y con este proyecto lleva ya tres discos editados. El último (“10 Formas de Transportarse por el Aire”) es justamente el que viene a presentar, y con él charlamos sobre la gira, el disco y todo lo relativo a su accionar artístico.

-Tu paso por Uruguay se da en el marco de una gira latinoamericana en la cual vas a presentar tu nuevo disco, y estas presentaciones son de hecho tus primeras en nuestro país. ¿Cómo surge la posibilidad de realizar estos eventos?

-La verdad, esta gira en Uruguay es bastante peculiar. Mis amigos y hermanos Ainda Dúo tenían una gira programada y me invitaron a abrir todos sus shows.  Ellos hacen una música muy hermosa. Dije que sí, ni bien me lo propusieron.  Hay una expectativa muy grande cuando te vas con tus compañeros de ruta a hacer música a otros lugares.

-¿Qué dirías que caracteriza a tu música en general, y a este disco que vas a estar presentando en particular?

-Siendo sincero, creo que en mi música hay mucho de mis compañeros de grupo. Con La Joven Pandilla siempre tratamos a las canciones como piezas únicas, tratamos de vestirlas, darles color, construirlas lo mejor posible y en base a la literatura, todas ahondan un poco en historias de la vida en general, amor, amistad y sucesos desafortunados. Continue reading →

Entrevista al músico puertorriqueño Sie7e

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Sie7e, el músico distinguido con un Grammy Latino al “Mejor Nuevo Artista” en 2011 se presenta por primera vez en Uruguay. El escenario escogido es el de Montevideo Music Box. Conversamos con el artista puertorriqueño sobre este evento, como así también sobre su percepción y entendimiento del arte en general.

sie7e

Si hay algo que se aprecia en tus canciones, es el deseo permanente de articular mensajes positivos. Mientras las repasaba, pensaba todo el tiempo en una frase de John Lennon que dice “vivimos en un mundo donde nos escondemos para hacer el amor, mientras la violencia se practica a plena luz del día”. Pienso que resume tu filosofía particularmente bien. ¿Es correcta esa impresión? ¿Hay algo que agregarías o modificarías?S

Definitivamente va acorde a lo que hago.  Me gusta hacer protesta pero con propuesta para que tenga un uso real.  Siento que las canciones y la carrera en general debe ser más que solo entretenimiento. Continue reading →

Fuga Disociativa: entrevista a Tabaré Rivero

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(PH: Natalia Rovira)

Como toda banda con una carrera longeva, La Tabaré se encuentra en pleno proceso de revalorización y reafirmación de su propuesta artística. Y este proceso derivó en un nuevo espectáculo, que se da a conocer como “Fugas Disociativas”.

Como si de un diálogo entre dos mitades de la misma persona se tratara, la banda estará presentándolo en los escenarios del Teatro Solís y de la Sala Zitarrosa de manera casi consecutiva, los días 28 de abril y 5 de mayo.

Sobre estos nuevos conciertos y la relevancia que la banda ha logrado sostener en el tiempo, conversamos con Tabaré Rivero – el fundador y principal artífice del grupo desde su incepción misma, hace ya más de 30 años.

–“Resistencia cultural en una época oscura”. Así es como el artista gráfico Rocambole define a la música de Los Redondos. Y pienso que esa frase se aplica también a la Tabaré. Pero claro, en 30 años cambiaron muchas cosas. Y hoy en día me pregunto, ¿la resistencia cultural desde dónde se articula, y ante qué se posiciona?

–Es una pregunta interesante… todo ha cambiado tanto que hay que plantearse eso prácticamente todo los días. Si bien empecé haciendo teatro en la dictadura y teníamos muy claro desde dónde y ante quién, las cosas han ido variando. Creo que la posibilidad de ofrecer cultura –o mejor dicho, una contracultura– implica darle a la gente otra herramienta de elección. Así que esa es la perspectiva, nos ponemos del lado libertario. Y a mí me gusta mucho exagerar con la libertad, si se quiere, y tratar de mostrarle a la gente que tiene ganas de indagar o hurgar en la cultura que hay otras posibilidades de las que los medios de comunicación te obligan a escoger.

Ahora, el desde dónde y para quién… es verdaderamente complejo. Estamos en constante cambio, y por eso es que ha cambiado tanto la banda también. Un día se canta para el marginado, otro día para el intelectual aburrido, otro día se canta para el que no tiene nada que ver ni con el marginado ni con el intelectual aburrido…

–Y muy en el fondo (o quizá no tanto) uno sabe que todo tiene que ver con todo…

–Claro, todo tiene que ver con todo de alguna manera. Pero no hay un enemigo común, evidentemente. O mejor dicho, hay varios enemigos en común.

–Y como toda banda que tiene una cierta continuidad, La Tabaré hoy en día está en esa clase de instancia en la que evalúa y reafirma su identidad. Y ahora justamente tienen una nueva presentación que se plantea como dos shows distintos (“Fugas Disociativas”), y lo veo como una forma de repensar la identidad del grupo en una época donde hay canciones como “Aquel Cuplé”, que llevan implícitas el mensaje de que quizá la banda ya pueda haber cumplido su cometido.

–Mirá, hay gente que después del toque en el Teatro Solís el año pasado llegó a decirme “te estás despidiendo, ¿no?”. Incluso me lo dijeron con un poco de preocupación, como pensando que yo estaba enfermo. Y les dije que no.

Yo ya cumplí con muchas cosas de mis sueños. No sé si con las expectativas del público, pero sí con las que yo tenía, y con las que me imaginaba que podía llegar a tener dentro del ambiente artístico. Pero igual me siento con ganas de seguir constantemente haciendo cosas.

–¿Sentís que las expectativas que puede tener un público a veces conspiran contra el hecho mismo de presentarse en vivo? ¿Sentís el peso de lo que la banda es (o lo que representa para algunas personas) al pisar el escenario?

–Sí, lo siento a veces. Cuando uno se hace un poquito más conocido de lo que uno esperaba, ya las cosas cambian sobremanera. Yo antes escribía para mí, y siempre defendía esa postura de que uno compone para sí mismo, y si al público le gusta bien, y si al público no le gusta mala suerte. Que es una manera un poco egoísta de verlo, pero lo que trato de decir con esto es que yo no trato de componer éxitos.

Pero por otro lado, eso no es del todo cierto, en el sentido de que a mí me gusta que el público vaya a mis conciertos. Es como una especie de doble discurso. Y además, en determinado momento ya no compongo para mí, porque al expresarme pienso en no repetir lo que ya he dicho. Y antes, cuando componía para mí no me importaba eso. Ahora no, ahora soy consciente si me repito al escribir un verso. Continue reading →

Entrevista: La Mujer Pájaro

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La Mujer Pájaro es una nueva banda uruguaya conformada por cinco amigos que se conocen de proyectos y bandas muy distintas, pero que comparten un rasgo característico: la voluntad de hacer música. En un lapso muy breve de tiempo grabaron su primer disco (“La Calma de las Cosas Quietas”), y agotaron las entradas para su presentación el próximo sábado 16 de abril en Tractatus con dos semanas de anticipación. El evento cuenta con la banda de La Plata Valentín y Los Volcanes como invitados, quienes se van a presentar en nuestro país por primera vez, compartiendo las canciones de su disco más reciente (Una Comedia Romántica).

Invitado a uno de sus ensayos, realizo la siguiente entrevista con cuatro de los integrantes de La Mujer Pájaro: Azael (Voz/guitarra), Lengua (guitarra), Mansa (bajo) y Sancho (batería).

la mujer pajaro

Hay una frase de Mario Levrero que dice: “Letra linda, yo lindo”. Siento que es una muy buena forma de plasmar cómo a través de la creación artística uno se puede refinar a sí mismo, o (al menos) crear una semblanza que sea mucho mejor. Y cuando escucho música pop (como la de ustedes, que si bien aborda muchos otros géneros esencialmente es pop), siempre pienso: “Música linda, nosotros lindos”.

Azael: Tal vez es una forma de transformar algo que no es tan lindo para que tu mundo sea lindo, y así abrirle un camino a lo positivo. Y es una forma de coraza, también. ¡Pero no creo que lo hagamos para vernos ni sentirnos lindos! [risas] Ahora, intentamos hacer música linda en algún sentido, porque cosas feas hay un montón. Y si bien esto lo hacemos para que sea algo bueno para nosotros, siempre está de fondo una cierta oscuridad…

Sancho: Oscuridad, y a su vez algo naive. Es una mezcla de sentimientos un poco extraña.

Claramente, hablamos de música linda, pero las letras recalan en conflictos interiores, y eso no se puede atenuar. Y de hecho, me parece que la idea es no atenuarlo. Muchas bandas que me encantan como The Smiths tienen esa dicotomía, presentan esa música que te dan ganas de bailar pero si uno se detiene a escuchar las letras se encuentra con otra cosa muy distinta. Es la filosofía que tenía Virus también, de bailar en medio de la tragedia.

Azael: En realidad, la mayoría de las canciones salieron en un momento que yo necesitaba hacer canciones porque estaba jodido. Y si bien las apuntaba para un lado que no fuera pesimista, siempre queda eso por detrás.

Fue un momento en el que de modo urgente agarré la guitarra, y grabé las canciones en mi cuarto con el celular. No son todas las del disco, pero son cuatro o cinco. Nunca me tomé el tiempo de escribir y repensar las letras después. Se escribieron así, en ese momento. Y después cuando hicimos las maquetas, no las modificamos tampoco. Lo que sí pasó fue que cada cual la llevó para su lado con su instrumento, porque eso es lo que genera la mixtura.

Mansa: Si bien las canciones son de Aza y expresan algo que es personal y que es de él, creo que todos interpretamos y entendemos el concepto. Son canciones lindas, sí, pero está ese conflicto y de oscuridad. Por ahí no cuando lo escuchas, la música no te transmite eso, pero entre nosotros el concepto lo entendemos así. Continue reading →

Recuerdos de Rocambole en Uruguay

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“¿Y? ¿Nadie va a preguntarme si se juntan los Redondos?”.

Con esta frase Rocambole hace que todos estallen en carcajadas, y disipa el silencio que comenzaba a extenderse cuando le correspondía al público formular preguntas durante la presentación de su libro “Arte, Diseño y Contracultura”.

Es la segunda vez que Rocambole presenta este material gráfico en Uruguay. En esta ocasión, el evento tiene lugar en el Café La Ronda de Montevideo. Es el sábado 17 de octubre de 2015.

(Fotografía: Sabrina Tuya)

La primera parte de la charla es una introducción donde el artista argentino repasa su formación, y recuerda su anhelo de que algún día sus ilustraciones estuvieran en la portadas de revistas de historietas. Luego narra cómo su arte cobró un valor de resistencia ante tiempos de opresión, y reflexiona sobre el papel central que desempeña (y debería desempeñar) todo artista siempre en la sociedad. Continue reading →

Entrevista: Santiago Motorizado

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(Fotografía: Indie Hoy)

(Fotografía: Indie Hoy)

Él Mató A Un Policía Motorizado se presentó recientemente en La Trastienda de Montevideo, en una velada compartida con la banda uruguaya Molina y Los Cósmicos. Tuve la posibilidad de intercambiar los siguientes conceptos con el vocalista y bajista Santiago Barrionuevo (mejor conocido como Santiago Motorizado), quien muy amablemente se prestó para esta nota vía mail.

-“El Mató A Un Policía Motorizado” ya alcanza doce años de existencia, y mantiene su carácter insigne dentro del under. ¿Qué factores contribuyeron a esta continuidad? 

-Amamos esto que hacemos, ojalá lo podamos hacer siempre. Tenemos un amor profundo por todo esto y nos llevamos bien, ensayando, grabando, tocando y viajando, entonces eso es lo más importante para seguir haciendo esto.

-Y hablando en términos generales, ¿dirías que es posible para una banda romper con su tradición, y a su vez perpetuarla ? Y de ser posible, ¿qué tan prioritario es? 

-Yo creo que todo cambió mucho. Lo under se mezcla con lo otro, no se definen los límites, lo que antes eran demos ahora son discos, ¿y por qué no? Si después cuando las bandas sacan sus discos más producidos, los fans añoran y desean con fervor aquellos viejos demos inéditos.

Esa ruptura de límites me fascina, no sé a dónde va todo esto, pero nosotros solo nos aferramos a nuestro arte, a esto que hacemos, a mejorar nuestros shows, nuestras canciones y nuestros discos, dentro de nuestros cánones de lo que signifique mejorar nuestro arte, todo lo demás es parte de la aventura y de cómo te ven o encasillan los demás, es anecdótico.

-En una entrevista que data al cierre de su trilogía de EPs, al reflexionar sobre los elementos que definen a la estética argentina nombrabas tres: “el calor, la decadencia y el amor violento”. ¿Sigue aplicándose esa reflexión? ¿O alguno de esos elementos llegó a intensificarse o atenuarse tanto que se transmutó, y dio lugar a algo completamente distinto? 

-No recuerdo esas palabras ni el contexto, suena interesante, pero no creo que haya sido realmente una respuesta interesante. No podría definir el arte argentino en pocas palabras, sería demasiado poético y poco preciso, ni el arte o estética de lo argentino ni de lo propio. Continue reading →

A Conversation with singer Tarja Turunen, formerly of Nightwish

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Tarja Turunen uruguay

[Versión de esta nota en español]

After rising to prominence as the voice of Finnish metal luminaries Nightwish, singer Tarja Turunen embarked on a remarkable solo career in which South America (more precisely Argentina) became all of a second home to her. The singer has already played in Uruguay before, and she’s visiting our country one more time, bringing the “Colours In The Dark” tour to Montevideo Music Box on the 13th of November.

This is the exchange I was privileged to maintain with her as regards the inspiration behind her latest works, and what to expect from her forthcoming show in our country.

As it was only logical, when you started your solo career you placed a strong emphasis on your voice as a soloist, orchestras and choirs. And at the same time, you had to learn how to write songs for a project that basically rested on you. That was a long time ago. Nowadays, after a life devoted to being a professional musician and several albums under your own name, would you say you’re freer than ever to do what you want? Or does all that experience somehow limits the choices you can make when crafting new music?
 
I have a beautiful freedom to express myself with my art today. It is so wonderful that I would not change it for anything. The learning process never ends when it comes to music, but it is amazing that it doesn’t. I have always been a person willing to progress, so having a solo career is a truly a dream come true to me.

As regards your latest album, which aspects of its composition and overall recording have left you satisfied the most?

I finally found my sound with this album. This is exactly what I was searching for with my previous albums, but now all the bits and pieces are in their correct place and the production process was easy. I love producing my albums, especially now that I have founded my confidence and seen that things are working as I wish. The team I am working with is great and we share the respect and will to make the best out of the work. I think I needed to get the confidence after all these years in order to be able to feel happy with my art. I have been extremely happy to find good people around me.

And how are these aspects translated (and furthered) into your current live show, “Colours On The Road”?

There is a lot of colour in my current shows, like on my “Colours In The dark” album. Actually there is a lot of colour in my life nowadays, and that all is reflected in my art and everything that I do. The musicians I am working with are my friends and we are having just a great time together in the shows. Again, the experience I have after 20 years of career in rock is shown in the shows as confidence and as fun, because I am enjoying the shows more than ever before. Continue reading →

Entrevista a Horcas

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horcas tour

La banda de trash metal Horcas se presenta este viernes en BJ Sala. Mantuve la siguiente comunicación por e-mail con los argentinos, quienes resaltaron la alegría de un nuevo encuentro con el público uruguayo y adelantaron que van a estrenar un tema nuevo que aún no se grabó en el estudio.

Al ser una banda tan longeva, ¿sienten  una “obligación” o un “deber” (o como sea más certero llamarlo)hacia las generaciones más jóvenes de oyentes? ¿Sienten que a  través de su música tienen que acercarlas a un periodo que a nivel musical y artístico puede ser considerado mucho más íntegro?

Horcas es una banda que abarca varias generaciones. Vemos que los padres traen a sus chicos a los shows, así que tenemos la obligación de darle lo mismo que a sus padres: todas las ganas y el poder de una banda de metal.

Estamos siempre arriba no solo de lo musical sino también del show artístico (luces, escenografía, etc), queremos dar siempre lo mejor e invertir a veces de nuestro bolsillo para que eso pase y dar un show para ser un ejemplo de una banda de metal en Latinoamérica.

El nombre de la banda surgió basado en la reflexión de que “estamos todos con la soga al cuello”. Si Horcas comenzara hoy, o si alguno de ustedes iniciara una banda paralela ¿qué nombre sería el más acorde para describir el mundo en el cual vivimos?

Mirá, el nombre “Horcas” a pesar de los años sigue estando vigente en la vida cotidiana hay muchos que siguen mereciendo la horca como en aquellos tiempos que Osvaldo le puso “Horcas”.

A la banda le es difícil definir un nombre pero serían varios: “perseverancia”, “aguante” y “respeto” creo que estaría por ahí. Continue reading →